Eres bueno, tienes el talento, el concepto y el carisma. Ya has conseguido una buena cantidad de fans y tienes las canciones grabadas, mezcladas y masterizadas con el mejor sonido. Así que ahora necesitas distribuir tu trabajo.

Hace años, esta parte del negocio musical la llevaban a cabo exclusivamente las compañías discográficas.  Hoy en día, con el advenimiento de internet, MP3s, Wavs, Flacs y en general a través de los nuevos formatos digitales y la globalización, esto ya no es trabajo exclusivo de nadie. Hoy por hoy puedes vender tu música a través de portales online y agregadores digitales por muy poco dinero o incluso nada. Un poco más abajo te dejamos unos cuantos de ellos. Vale la pena investigar un poco para ver quien ofrece los mejores servicios.

PORTALES ONLINE Y AGREGADORES DIGITALES

• Dig Dis: http://digdis.de/es/inicio/
• Nimbit:  http://nimbit.com/es/
• Tunecore: http://www.tunecore.com
• Bandcamp: http://bandcamp.com
• Awal: http://awal.com
• The Orchad: http://www.theorchard.com
• Interscope: http://www.interscope.com
• Songcast: http://www.songcastmusic.com
• Apple Itunes: http://www.apple.com/itunes/content-providers/
• Finalmente, no dejes de visitar la AES en España: http://www.aes.org/sections/view.cfm?section=106

La entrada 10 SITIOS PARA DISTRIBUIR TU MÚSICA ONLINE se publicó primero en The Audio Sessions.

Aquí os dejo un pequeño truco de mezcla. Muchos me preguntan sobre los pasos a seguir a la hora de hacer la mezcla de una canción. La mayoría suelen caer en el sobre-procesamiento, haciendo que los instrumentos se alejen cada vez más de su sonido original o al menos de uno natural. Este tip de ballance tonal lo encontraréis más detallado en nuestra “Guia de Supervivencia en el Home Studio”.

Si haces todo paso a paso y con criterio, es bastante sencillo llegar a un buen punto de partida para no tener que hacer malabares con cada sonido.

VAMOS A DAR CINCO PASOS:

Empieza por crear el sonido que quieres en el instrumento más importante (la voz o el gancho, normalmente). Esto trabajado en modo “SOLO”.

Busca el sonido que mejor defina el resto de la estructura armónica de tu canción. (Normalmente es el bajo, que también nos sirve para ubicarnos dentro del patrón rítmico). Ahora crea el mejor sonido posible sobre este instrumento. Esto trabajado escuchando este canal y la voz en modo “SOLO”.

Pon a 0 dBFS toda la batería. En cada canal, diseña los mejores sonidos que puedas y envía todo a un bus. Recuerda que la batería debe sonar como un solo instrumento, no como un montón de tambores y platos. Cuando cada sonido esté ok, crea el balance apropiado solo con los faders.

Quita los “SOLO” de tu mixer y baja todos los faders. Sube la voz o gancho hasta que veas en el medidor del canal master picos a -6 dbs (incluso algo menos). Ahora le toca al bajo, súbelo en un nivel donde puedas oír claramente ambos instrumentos. Tal y como lo tienes ahora, ve subiendo cada canal alrededor de estos dos, verás que casi no necesitas procesar demasiado los demás instrumentos. No uses el modo “SOLO” para los demás canales, al menos en esta etapa.

Por último, mueve los faders para dar los ajustes finales sobre el tono de la canción. Si necesitas más graves, no ecualizes el master, sino que sube los instrumentos que se correspondan con lo que quieres oír.

Como ves, nos hemos enfocado en tres canales (en realidad la batería completa en un bus). Así, los cambios que haremos a los demás instrumentos, serán mínimos en cuanto al tono original.

So easy, so cool!

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Hay ocasiones en las que nos gustaría tener ciertas cualidades de procesos que en realidad son demasiado agresivos. Por ejemplo, en muchos clásicos de punk y del hardcore, podemos oír como se usa distorsión en la voz. Lo oímos de forma muy evidente pero sin que desmerezca el tono propio de la voz (uno de los efectos más usados es el pedal de guitarra Rat).

Otro de los casos comunes es un tipo de compresión conocido como “New York Compression”, donde la música (sobre todo las baterías y el bajo) suenan potentes, densas y agresivas, manteniendo la naturalidad del instrumento. Este efecto se consigue con compresión, aunque si simplemente insertas un compresor en el bus de tus baterías, perderemos naturalidad.

¿Qué ocurre si quiero esas características en una voz, pero resulta muy evidente?

La respuesta es usar la distorsión o la compresión como efecto paralelo.

Es muy sencillo:

Primero crea un canal auxiliar y coloca aquí tu efecto (prueba primero con distorsión, notarás más el efecto!)

Baja del todo el fader del auxiliar.

Ahora envía en ganancia unidad una copia de la pista que deseas procesar.

Ajusta el efecto con valores extremos.

Sube muy despacio el fader del auxiliar, no te pases mucho o será demasiado evidente.

Ya lo tienes, te recomiendo que experimentes colocando diferentes efectos antes y después del primero que hiciste en tu auxiliar. Para distorsión, prueba a filtrar los graves, en función del tipo de efecto que esperas, antes de la distorsión. También puedes probar a poner justo detrás, una reverb corta (tipo primeras reflexiones) para ganar ambiente.

En cuanto al uso del compresor y esta técnica, podrás tener una mezcla punchy y agresiva, sin perder naturalidad. También en estilos como el Hip Hop juega un gran papel, usando técnicas de compresión ecualizada en torno al rango de la voz, para traer todo lo posible la voz hacia delante o como se dice en NY, “In your Face!”.

So easy, so cool! 

La entrada PROCESOS PARALELOS se publicó primero en The Audio Sessions.

Quizá la decisión más difícil de valorar en una grabación sea si los micros están alineados en fase o no. Este problema viene dado por las diferencias temporales. Por lo que según la posición de los micros, mostrará una rotación de fase u otra.

Para entenderlo totalmente: Como el mismo sonido llega antes a un micrófono que a otro, cuando suenen a la vez, habrá cancelaciones y sumas de fase según estén o no alineadas.

SI no tienes mucha experiencia, te recomiendo monitorizar las fuentes multi micro en mono. Incluso en la etapa de mezcla suele funcionar bien. De este modo, cuando haya algún tipo de desfase, lo notarás rápidamente porque habrá componentes del sonido que se perderán.

So easy, so cool!!!

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La entrada CÓMO SOLUCIONAR LOS PROBLEMAS DE FASE se publicó primero en The Audio Sessions.

Actualmente parece ser que hay una importante carencia en cuanto a la comprensión de como funcionan los niveles en un estudio digital o híbrido. Como consecuencia, a veces recibo de mis clientes mezclas con un sonido débil, feo y muy crispado… Vamos, muy digital.

¿CÓMO PODEMOS MEJORAR NUESTRO SONIDO EN LA DAW?

En gran medida, el problema viene dado por el reducido margen dinámico en nuestro mezclador del DAW, ya sea porque no se ha grabado correctamente o porque no dejamos suficiente espacio entre el audio en si y el punto de maxima amplitud antes de “clippar”.

Veamos como mejorar esto, primero, entendamos algo sobre niveles:

Referencia de voltaje, 0 VU = +4 dB o 1,23 voltios.

Headroom

Es la capacidad de un equipo de alojar cargas de alto valor hasta su límite, donde creará distorsión.

Por ejemplo, podemos tener un equipo (un mixer) con un headroom de +26 db. Eso signifíca que puede operar hasta un maximo de + 22 dB sin distorsión. A esos + 26 dB, le debemos restar el nivel nominal, + 4 dB, quedando los + 22 db.

Como la gran mayoría de equipos analógicos operan como norma a +4 dBu (nivel nominal), debemos ajustar los canales de nuestro mixer a esos + 4 dB, o sea a 0 VU, o 1,23 voltios.

Ahora vayamos al mundo de los ceros y unos.

Dentro del DAW

Primero debemos referenciar en nuestro mundo digital, el 0 VU (+ 4 o 1,23 voltios AC RMS). Lo que haremos será medir esos 0 dBVU dentro del ordenador con un tono de 1 Khz en RMS. Según el ejemplo anterior, si nuestro convertidor clipa en 22 dB, marcaremos 0 dBVU en nuestro DAW en -18 dBFS.

que se calcula así : +22dBu (Nivel Max) –  +4dBu(Nivel nominal VU) = +18 dBu (Headroom) = -18 dBFS (Nivel digital)

Así el 0 dBFS del ordenador será los +22 dBu del equipo analógico y el 0 dBVU será -18 dBFS del ordenador.

Ya lo tenemos ajustado, pero ¿qué ocurre con el material previamente grabado ya caliente?

Fácil, usando un plug in Trim o Gain. De forma que podremos ajustar la ganancia de canal a esos -18 dBFS RMS con el mismo tono a 1 Khz. Esto sirve tanto para “meter” señales de un previo analógico, por ejemplo, como para trabajar una mezcla ya grabada con poco headroom…

So easy, so cool!!!

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La entrada NIVELES EN EL ESTUDIO se publicó primero en The Audio Sessions.

Usa una eq limpia, que no añada color (mi favorita para estas tareas es Sonnox EQ). Seguidamente escucha bien la pista e identifica que sobra. Busca sonidos impropios del instrumento que estás oyendo, artefactos, excesos de energía… Quita suavemente lo que sobra.

A continuación usa una eq que añada carácter y color, analógica o una emulación. Mis favoritas para esto son UAD Neve 1081/1073 y UAD Pultec Pro. Uso la Neve para sonidos más gruesos y la Pultec para un sonido con más contenido armónico. Busca las frecuencias que mejor definan el sonido del instrumento.

Finalmente, realza un poco ese espectro y recupera si has perdido algo de grosor o de peso con el eq anterior. Mejor? Ahora deberías tener un sonido casi  igual que el que tenías al principio, pero más definido y rico.

So easy, so cool!

La entrada UN SONIDO MÁS RICO Y DEFINIDO se publicó primero en The Audio Sessions.

La compresión de voces es tan compleja y difícil como necesaria. Es compleja por la gran expresión y cantidad de micro cambios de dinámica que la voz humana posee. Pero además es difícil trabajar con ella por que su nivel no suele ser constante sino que, lógicamente, varia mucho por razones interpretativas y por el movimiento del cantante respecto al micrófono.

Esto hace que percibamos demasiados cambios de nivel (podríamos decir cambios bruscos o excesivos de dinámica). Para trabajar con esto último necesitaremos un compresor. Recuerda que la analogía de funcionamiento es el movimiento que haríamos con el fader de nuestra consola cuando notáramos demasiado nivel. Esto se llama Vocal Rider o Fader Rider. Lo que debemos hacer es ajustar el compresor para que actúe sólo cuando debe. Es decir, sólo cuando existe una gran diferencia de nivel, de esta forma mantendremos los micro-cambios del interprete .

Un par de clásicos para estas tareas son el Teletronix LA2A (óptico) y el Urei/Universal Audio 1176 NL (Fet). Pero más allá de estos “hierros”, podemos conseguir un resultado muy similar con cualquier compresor que actúe rápido. Lo que debemos tener en cuenta, sobre todo a la hora de la grabación o tracking, es saber apreciar en todo momento los diferentes matices que nos dan los compresores en la voz. El ser humano es especialmente sensible a la voz. Durante toda nuestra vida, nuestro oído ha aprendido a escuchar perfectamente este sonido, así que si no conseguimos un sonido totalmente natural, habremos fracasado.

¿DÓNDE DEBEMOS FOCALIZAR NUESTRA ESCUCHA?

Ataque

Focaliza la escucha en los transitorios y las frecuencias de presencia de la voz. Entre 700 y 3000 Hz, siendo 1400 Hz para cantantes masculinos y 1800 Hz para femeninos las más evidentes.

Release

Focaliza la escucha en la sensación de bombeo (mala compresión a no ser que sea lo que buscas) o un sonido estable en cuanto a variaciones de volumen. Debes ser capaz de notar los cambios más sutiles, pero no tantas diferencia de nivel entre las partes de la canción.

Theshold

Focaliza la escucha en los niveles (o partes del sonido) donde comienza la compresión. Es muy importante dominar bien este tipo de escucha. Debes darte cuenta de cuando, en relación al nivel, comienza a comprimir el compresor.

Ratio

Focaliza la escucha en la bajada de nivel respecto a la versión sin comprimir. Busca siempre un sonido natural. Con ello conseguirás darte cuenta de si estás comprimiendo mucho o poco.

PRIMEROS PASOS

Para una compresión de voces transparente y sin artefactos.

Escucha

Lo primero es también lo más obvio. Antes de hacer nada escucha la envolvente de la voz y busca si existen cambios muy bruscos de nivel. Buscamos cierta dinámica, precisamente un buen cantante será capaz de crear momentos intensos y muy suaves. Esto nos interesa, pero también queremos que haya cierta consistencia y que la voz suene coherente.

Compresor

Vamos al compresor. Ajusta primero el ratio. Ponlo más bien alto (por ejemplo 8:1) y coloca el ataque y el release en posición media. Ahora ve moviendo el threshold hasta que notes claramente el efecto del compresor.

Envolvente

Es tiempo de ajustar la envolvente. Ajusta a un ataque rápido, ve haciendolo más lento hasta que notes que la amplitud de las frecuencias propias de la voz suenan más altas. Ajusta el release de rápido a lento hasta que notes que las sílabas que deben sonar muy similares en nivel, así lo hacen.

Threshold

Ya tienes la envolvente apropiada. Pon el threshold en la posición original y el ratio ajustado a unos 3:1 o 5:1 y ve bajando el threshold hasta que veas que sólo reduce cuando hay sílabas muy altas en comparación con lo demás.

Además

Ten en cuenta que la compresión es un proceso muy agresivo. En muchas ocasiones, donde los cambios serán muy grandes, es mejor utilizar previamente la automatización de volumen en esos pasajes más altos o bajos para que nuestro compresor funcione de un modo más suave sin tener que hacer cosas exageradas… En definitiva, con un sonido más natural.

Busca tu sonido

Recuerda que en el mundo del sonido no existen técnicas o formulas mágicas para hacer algo de una única manera. Cada caso será especial en sí mismo. Así que no temas experimentar y buscar tu propio sonido, es lo más divertido de todo!

La entrada COMPRESIÓN DE VOCES EN LA MEZCLA se publicó primero en The Audio Sessions.

Hace no tanto, las cosas en el mundo de la grabación eran muy diferentes. Existía un único formato de distribución (el vinilo) y un único formato de grabación (la cinta analógica). Sólo con estos dos elementos en mente, se llegaba a imprimir el alma y la interpretación de un grupo acostumbrado a tocar en directo y con pocas opciones a equivocarse.

Poco a poco las tecnologías fueron cambiando y con esos cambios, también lo hizo el paradigma de la grabación. Hoy en día ya no solo nos centramos en un formato de mixdown y otro de duplicación. Hoy encontramos mezclas digitales de diferentes resoluciones y formatos y muchísimas formas de distribución como HD Tracks, CD, SACD, MP3, MFIT.

Hubo un momento dado en el que el formato digital tumbó de un plumazo al método tradicional analógico. Las “casi” ilimitadas opciones digitales, unidas a la capacidad de salvar los datos junto al proyecto y por supuesto la incursión del “Undo“, hacían posible unos niveles de edición y procesado difícilmente imaginables en la época. Casi sin darnos cuenta, dimos por obsoleto un formato maravilloso con el que se grabaron las que hemos considerado por mucho tiempo, las mejores grabaciones que se han hecho nunca.

Eso es algo en lo que se ha pensado mucho. Es más, desde hace unos años, la cinta analógica ha vuelto de una u otra forma. Bien como formato de dos pistas para hacer la mezcla final, bien como plugin que la simula en nuestro DAW. El caso es que aun hoy en día, la gran mayoría de ingenieros de sonido apreciamos sus características en el moderno mundo de la grabación.

Vayamos un paso más allá.

¿CÓMO SUENA LA CINTA?

El sonido clásico de cinta analógica, es un sonido que muchos definen como cálido, grueso y potente. Palabrerío un poco subjetivo en mi opinión, así que vamos a darle una vuelta a esas definiciones:

Cálido

Si, es cierto. La cinta suaviza los sonidos más rápidos (transitorios). Además reduce un poco la franja de 5 a 9 Khz según como la configuremos.

Grueso

Si, esto también es cierto. La cinta sube, dependiendo de la velocidad y sobre todo de como forcemos la entrada, en torno a 150 Hz y 600 Hz. Crean así una subida del segundo y tercer armónico de los instrumentos graves.

Potente

No necesariamente. La cinta, en función (una vez más) de como entremos de nivel, tiende a comprimir de una forma única la señal. Este tipo de compresión puede o no crear un sonido potente. Dependerá del arreglo y de la mezcla, que así sea.

LA GRABACIÓN EN CINTA ANALÓGICA

Para conseguir una buena grabación en cinta analógica, debemos saber algunas cosas:

Mantenimiento

Es obvio, un aparto mecánico necesita revisiones y puestas a punto.

Calibración

Dependiendo del tipo de cinta analógica (su emulsión) y de la velocidad que usemos, tendremos que calibrar nuestra máquina para usar los niveles de entrada y salida apropiados. Si quieres un sonido lo más neutral posible, usa ajustes moderados. Para un sonido grueso y saturado, usa ajustes algo más “pasados”. Pero ten cuidado, una entrada demasiado “hot” creará una falta de brillo y aire que seguramente no funcionaría en la música de hoy en día.

Velocidad

Mayor velocidad: mayor fidelidad. Sobre todo en cuanto a tono. Si quieres tener un sonido claramente “low fi”, usa la mínima velocidad. Para sonidos espaciados y fieles al original, la mayor velocidad.

Recuerda que no siempre funciona. A veces según el estilo musical o la instrumentación, es posible que el sonido que imprime la cinta haga la mezcla muy vintage y eso no sea lo que nuestro cliente quiere. Haz pruebas y testea primero.

Sobre niveles de grabación y reproducción

has de tener en cuenta el terrible ruido de fondo. Es un sistema que tiene mucho ruido, así que evita grabar partes demasiados bajas de nivel a fin de enmascarar ese ruido.

¿ES PARA MI LA CINTA?

Si y no, dependerá del tipo de grabación y del carácter que le quieras dar a esa mezcla.

Hoy en día no son muy caras. En el mercado de segunda mano, puedes encontrar desde equipos Tascam o Revox (filial de Studer) entre los 300 € y 1000 € según el estado y especificaciones. Por algo más tienes marcas como Studer o Telefunken, grandes máquinas con ese sonido clásico.

Si aun así no te atreves, te recomiendo que pruebes algunas emulaciones software. No son definitivas, pero en algunos casos, se acercan bastante al tipo de sonido que buscas. Prueba UAD Studer 800, Slate Digital VTM o DUY DaD Tape. Todos muy interesante y llenos de opciones con muy buen sonido.

La entrada EL SONIDO DE LA CINTA ANALÓGICA se publicó primero en The Audio Sessions.

Muchos nos preguntáis por los códigos ISRC y EAN/UPC, así que vamos a tratar de explicar brevemente en qué consisten y dónde conseguirlos. Ya que son necesarios, sobre todo desde el punto de vista profesional y editorial.

ISRC

Es el código estándar internacional de grabaciones. Piensa en ello como en la “matrícula” de tu disco (y de cada canción dentro de él). Con este código se puede hacer un seguimiento. Por ejemplo, se podrán contabilizar de forma automática las reproducciones de un tema en una emisora de radio.

Estos códigos no se suministran desde los estudios de mezcla o mastering. Para solicitarlos en España lo podrás hacer a través agregadores digitales (ENLACE A OTRO POST!!) editoriales, sellos discográficos o directamente desde la web Codigoisrc .

EAN Y UPC

El código EAN básicamente son los números pertenecientes a los códigos de barras. Es decir, códigos de producto.

El UPC es muy similar. Se usa en EEUU para productos al por menor.

Existen multitud de empresas que los pueden generar, así como varias aplicaciones gratuitas en la web, como por ejemplo: Barcode 

La entrada ISRC Y EAN/UPC EN LA DISTRIBUCIÓN MUSICAL se publicó primero en The Audio Sessions.